La entrevista a Cecilia Alemani curadora y directora de la Bienal de Venecia 2022
La primera mujer italiana en dirigir la Bienal de Venecia de 2022, la curadora de High Line Art de Nueva York involucró a más de 200 artistas, el 80% de los cuales eran mujeres y sujetos no binarios. La exposición explora las grandes angustias contemporáneas y se propone como una vuelta a la celebración del arte en comunidad.
Texto de Fabia Di Drusco
Foto Federico Ciamei
Estilismo Giulio Martinelli
Cecilia Alemani, milanesa nacida en 1977, directora de High Line Art en Nueva York, involucró a más de 200 artistas de 61 naciones. De estos, 180 nunca antes habían estado presentes en la Bienal. Pero el dato más llamativo respecto a ediciones anteriores, teniendo en cuenta que en los primeros 100 años de historia de la exposición las artistas mujeres no llegaban ni al 10% y que en los últimos 20 años apenas había llegado a las 30, es que el 80% de las protagonistas de esta edición son mujeres y sujetos no binarios.
L'OFFICIEL: ¿Una bienal de género entonces?
CECILIA ALEMANI: Una Bienal acorde con mi forma de curar, siempre atenta a las diferentes voces. Siempre me sorprende ver cómo en Italia todavía nos sorprende un fenómeno que forma parte de la vida cotidiana en América. Después de todo, en 2007 nadie se molestó cuando Robert Storr presentó una Bienal compuesta por un 80% de artistas masculinos. Elegí a estos artistas no como mujeres, sino porque me interesaban sus obras. En cambio, la presencia femenina en las cinco cápsulas históricas que quise incluir en la exposición como reconstrucción de piezas faltantes en la historia de la Bienal fue más intencional. La idea surge de “Muse inquiete”, la exposición sobre los archivos de la Bienal instalada en el Pabellón Central en 2020, comisariada por todos los directores de los seis sectores artísticos del evento, en la que participé como responsable de la sección de Arte. Cinco exposiciones para ser entendidas como una constelación capaz de explorar a fondo ciertos temas desde un punto de vista histórico, para ofrecer conexiones incluso donde la influencia no es necesariamente evidente. Una historiografía construida sobre relaciones simbióticas, simpatías y hermandades.
LO: ¿Por qué confiar la preparación de estas exposiciones históricas a Formafantasma?
CA: Ya había trabajado con ellos en “Las musas inquietas”, somos muy cercanos, estas exposiciones son cápsulas de tiempo real que también deben destacar por el montaje, son espacios amueblados, con empapelado, alfombra, que concentran 30, 40 artistas en lugar de los dos que habrían ocupado el mismo espacio de no haber estado separado.
LO: El título de la exposición, “La leche de los sueños”, es particularmente evocador. ¿Es una elección basada en el concepto o en su preferencia por Leonora Carrington (la artista surrealista y autora de un libro infantil con este título, ed.)?
CA: El surrealismo siempre me ha interesado, aunque lo abordé desde el lado masculino. En los últimos cinco años, las protagonistas del Surrealismo han sido objeto de un interés cada vez mayor, culminando con "Mujeres fantásticas", la exposición realizada en el Museo Louisiana en Humlebaek, Dinamarca, en 2020, interés que ha llevado a ampliar los límites del surrealismo al norte de África así como a América Central. No conocía los libros de Carrington, aunque en general me gusta descubrir el lado literario de los artistas. Este libro en particular lo descubrí casi al final de la organización de la exposición, y me pareció ideal para transmitir tanto contenido en el título, es como si hubiera arreglado las cosas después.
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LO: En tu introducción al tema de La Biennale dibujas un escenario de un sentimiento generalizado entre los artistas y más generalmente típico de nuestro tiempo en el que "la supervivencia misma de la humanidad está amenazada", en el que uno se pregunta cuáles son "las diferencias que separan lo vegetal, lo animal, lo humano y lo no humano”, sobre cuáles son “nuestras responsabilidades”, hasta el punto de hipotetizar una “condición posthumana”. Si la sensación de fragilidad e inestabilidad engendrada por la pandemia de Covid ciertamente ha influido en las obras presentadas, ¿la agresión de Rusia contra Ucrania carga estos contenidos con más resonancia?
CA: Obviamente las exhibiciones y obras fueron concebidas antes de que estallara esta guerra brutal y sin sentido. Pero el mismo hecho de que pueda haber alguien como Putin que tome e invada un estado soberano vecino es un ejemplo sorprendente de la arrogancia del hombre que piensa que está dominando el universo y, desafortunadamente, actualiza los temas de la exposición.
LO: En tu introducción subrayas que uno de los conceptos rectores de la Bienal es “cuestionar la supuesta idea universal de un sujeto blanco y masculino como medida de todas las cosas”, evocando como posible alternativa “el reencantamiento del mundo" operado por artistas que mezclan "saberes indígenas y mitologías individuales"... ¿Cuál crees que es la obra más impactante de la exposición?
CA: La instalación de Delcy Morelos, artista colombiana que está recorriendo el tramo de la Corderie di terra, construyendo un gran laberinto que nos recuerda que todos venimos de la tierra, donde el olor muy fuerte de especias, tabaco y cacao se mezcla con humus añade una nueva dimensión ... Obviamente la inspiración es Earth Room, la instalación de Walter De Maria de 1977, un apartamento en Wooster Street en Soho lleno de tierra. Pero Morelos también se inspira en las cosmologías de los pueblos de los Andes y la Amazonía, dando vida a una obra sumamente poderosa.
LO: ¿Qué otros artistas/artistas presentes en la Bienal te parecen particularmente interesantes?
CA: Julia Phillips, que combina la frialdad de diferentes materiales tecnológicos, Chiara Enzo, porque en sus pequeños lienzos encierra los pliegues y la epidermis de los cuerpos modernos. Preciosa Okoyomon, que sabe transformar la investigación poscolonial en un jardín entrópico, Mire Lee, transformadora de máquinas cinéticas en extraños organismos.
LO: ¿Cuál crees que es la función de la Bienal hoy?
CA: La Bienal es tanto una institución (Venecia es la más antigua de la historia) como una instantánea de lo que está sucediendo en el mundo cultural. Vamos allí para ver las últimas tendencias, los nuevos movimientos, pero su misión también es absorber los sobresaltos de la historia, pensemos en las ediciones inmediatamente posteriores a las grandes guerras, la reflexión sobre el clima que las generó. Soy partidario de los pabellones nacionales, una característica exclusivamente veneciana muy criticada, pero que para mí representan una fuerza fantástica, un punto de entrada en escenarios artísticos como el de Filipinas o Namibia, u otras áreas geográficas muchas veces excluidas de los circuitos internacionales.
LO: ¿Existe alguna relación entre "La leche de los sueños" y "La gran Madre", la exposición de 2015 en el Palazzo Reale de Milán comisariada por tu marido (Massimiliano Gioni, curador del New Museum de Nueva York y director de la Bienal en 2013)?
CA: También me pidieron en la rueda de prensa para la presentación de la Bienal. ¿Crees que ni siquiera he visto "La Gran Madre" porque di a luz inmediatamente antes de la inauguración, por supuesto que puede haber absorbido parte de la reflexión de mi esposo, pero allí la exposición se centró en la representación de la maternidad, aquí está por el contrario, se trata de derrotar el cliché, aunque obviamente todos somos madres de algo, mutuamente.
LO: ¿Qué esperar de la Bienal?
CA: Una exposición sumamente física y actual, muy alejada de cualquier forma de elucubración cerebral. Será sobre todo una celebración, la vuelta al arte vivo en persona, con la comunidad, después de dos años de aislamiento.
