La moda ama el arte: La moda en la Bienal de Venecia de 2026

Para Bottega Veneta , Venecia nunca ha sido un mero telón de fondo. Es un elemento definitorio de su identidad, un retorno a las raíces nutrido por una amplia visión cultural, capaz de ir más allá del producto para abrazar el intelecto. Esto se confirma con la última y prestigiosa iniciativa de la casa, liderada por la dirección creativa de Louise Trotter : el patrocinio exclusivo de "Lorna Simpson. Third Person", la monumental exposición individual que se inaugura el 29 de marzo de 2026 en Punta della Dogana. Comisariada por Emma Lavigne, artífice de las visiones de la Colección Pinault, la exposición marca el regreso a Europa, tras más de una década, de una de las voces más lúcidas y radicales del arte contemporáneo estadounidense. Lorna Simpson, nacida en 1960, es una artista que ha deconstruido la imagen con la precisión de un cirujano. Si en la década de 1990 su fotografía conceptual subvirtió los cánones de la representación, hoy su pintura se convierte en un territorio de investigación visceral sobre la memoria colectiva y la inestabilidad de la narrativa.

Para Bottega Veneta, esta colaboración no es un hecho aislado, sino la pieza más reciente de un mosaico filantrópico que vincula a la marca con la Colección Pinault . Un camino que ya ha calado hondo en Thomas Schütte, Pierre Huyghe y Bruce Nauman , y que hoy encuentra su perfecta resonancia en Lorna Simpson. La misma atención al detalle, la misma urgencia por recuperar un ritmo pausado y consciente que caracteriza la excelente artesanía de la casa.

El proyecto expositivo, concebido en colaboración con el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York , se divide en tres secciones que abarcan veinte años de trayectoria de la marca, incluyendo collages y pinturas monumentales originalmente creadas para la histórica Bienal de Okwui Enwezor de 2015. Pero la presencia de Bottega Veneta en la laguna no termina ahí. Como parte de su amplio patrocinio, la marca también apoyará la exposición "If All Time Is Eternally Present" en Campo Manin , mientras que la campaña de verano de 2026, diseñada por Juergen Teller, celebra la esencia misma de Venecia. Entre la Residencia Veneciana y el proyecto Bottega for Bottegas , que da voz a talentos locales como Paolo Olbi y Laguna~B, la maison demuestra que el lujo moderno ya no es simplemente una cuestión de posesión, sino de pertenencia cultural. En un mundo acelerado, Bottega Veneta y Lorna Simpson nos invitan a detenernos, observar y, finalmente, comprender.

Hay imágenes que no se limitan a documentar la realidad, sino que la capturan, la devoran y la devuelven como fetiche o denuncia. Esta es la sensación que se experimenta al cruzar el umbral de Ca' Corner della Regina en Venecia, donde la exposición "Helter Skelter: Arthur Jafa y Richard Prince" plantea un diálogo electivo entre dos de los "recolectores" más radicales de la cultura visual estadounidense.

Comisariada por Nancy Spector , la exposición no es una simple muestra individual doble, sino una investigación anatómica del ADN estadounidense, realizada a través del prisma de la apropiación. Arthur Jafa (n. 1960) y Richard Prince (n. 1949), nacidos con una década de diferencia, comparten esa "piratería artística" arraigada en el ready-made de Duchamp. Pero mientras el maestro francés se apropiaba del objeto, Jafa y Prince saquean la imaginación: desde vídeos de YouTube hasta novelas populares, desde recuerdos de famosos hasta los desechos de las redes sociales.

Más de cincuenta obras trazan una topografía específica y cruda. Por un lado, Jafa, reflexionando sobre la negritud con la urgencia de quien busca restablecer la estética afroamericana; por otro, Prince, oscilando entre una crítica a la masculinidad blanca y una irresistible atracción por el lado oscuro del sueño americano. El título mismo, "Helter Skelter", evoca el caos de los parques de atracciones y la adrenalina de los Beatles, pero también conlleva la siniestra sombra de Charles Manson y sus profecías de guerra racial. Es indomable y complejo, reflejando a la perfección la naturaleza de esta colaboración, sellada por un fanzine inédito en el que ambos artistas han recopilado las imágenes intercambiadas durante la génesis del proyecto.

En esta exposición, Estados Unidos se presenta como un país de contradicciones irreconciliables: entre espiritualidad y esclavitud, entre libertad de expresión y perversiones voyeuristas. Jafa y Prince no piden permiso; toman fragmentos de esta realidad y los transforman en arte, recordándonos que, en una era de sobrecarga visual, el único acto de resistencia verdadero es la mirada crítica. Esta exposición, imprescindible durante la Bienal de Venecia de 2026 —y abierta hasta el 23 de noviembre—, convierte el Palazzo en un laboratorio de reflexión sociológica, donde la manera de ver se despoja de toda frivolidad para convertirse en una denuncia pura e implacable.

Para Zegna , no se trata solo de mecenazgo, sino de una declaración de pertenencia. En la 61.ª Exposición Internacional de Arte de Venecia, la marca liderada por Gildo Zegna es el patrocinador principal del Pabellón Italiano, apoyando el proyecto "With You with Everything" de Chiara Camoni , comisariado por Cecilia Canziani, que se exhibe del 24 de mayo al 22 de noviembre.

Para la casa de moda con sede en Trivero, Venecia 2026 no es un debut, sino la culminación de un acercamiento intelectual que comenzó hace más de una década con ZegnArt. El diálogo con Camoni y Canziani es una evolución natural de ese «pensamiento verde» arraigado en el Oasis de Zegna. La práctica artística, centrada en la materia, el tiempo y la transformación, se inspira en los hilos de la fábrica de lana, los minerales y las plantas procedentes directamente del paisaje de Biella, transformando el Pabellón en un ecosistema donde la artesanía se encuentra con los rituales de la naturaleza.

Para nosotros, apoyar el Pabellón Italiano en la Bienal de Arte de Venecia 2026 significa continuar un compromiso que forma parte de nuestra historia. Durante más de un siglo, hemos invertido en la región, la artesanía y la cultura italiana, promoviendo un diálogo constante entre la empresa y el arte. Oasi Zegna es la expresión más auténtica de esto: un proyecto nacido de la visión del Fundador que continúa generando valor con el paso del tiempo. Hemos mantenido un diálogo con Chiara Camoni que se ha extendido por más de diez años. Su obra refleja esta atención a los materiales, el paisaje y la tradición en constante evolución. Verla hoy como protagonista del Pabellón Italiano, junto a Cecilia Canziani, representa un importante reconocimiento a su trayectoria y a la coherencia de su investigación, que nos enorgullece apoyar", explica Gildo Zegna, Presidente Ejecutivo del Grupo Ermenegildo Zegna.

Y la conexión se refuerza: a partir del 22 de mayo, Oasi Zegna acogerá una exposición individual de la obra de Camoni, comisariada por Ilaria Bonacossa. Un círculo que se cierra entre la laguna y los Alpes, reafirmando que el verdadero lujo hoy en día reside en la capacidad de generar valor cultural a lo largo del tiempo, protegiendo el saber hacer y el alma de los lugares.

Una advertencia visual, gélida e impecable, sobre la condición humana actual. El Espace Louis Vuitton de Venecia reafirma su vocación artística al acoger « El mal de ojo» de Clément Cogitore. Enmarcada en el programa « Hors-les-murs» , la exposición no solo rinde homenaje a la capacidad de la Fundación para difundir sus tesoros, sino que también constituye una necesaria indagación sobre las patologías de la mirada contemporánea. Cogitore, artista que transita entre la etnografía y la gramática visual, explora la persistencia del ritual en el contexto de la globalización en constante transformación.

Ganador del Premio Marcel Duchamp 2018, la obra de Clément Cogitore, expuesta en esta muestra, disecciona nuestra dependencia de las imágenes mediante el uso magistral de metraje encontrado y escenarios sobreexpuestos. Se trata de una crítica mordaz a la felicidad artificial que induce el consumismo, donde la pantalla verde se convierte en una metáfora de una identidad fabricada. En un mundo que mercantiliza el espacio urbano y aliena al individuo, Cogitore nos invita a desconfiar de la representación, recordándonos que la identidad no es un producto, sino un profundo proceso cultural.

Según Dries Van Noten, la belleza no acepta la pasividad del decoro, sino que se convierte en un choque, una pregunta, una vibración. El 25 de abril de 2026, su Fundación Dries Van Noten inaugurará una exposición-manifiesto con el título programático: «La única protesta verdadera es la belleza » . El diseñador de moda y jardinero, junto con su compañero de vida y visionario Patrick Vangheluwe , no se limita a exponer, sino que sistematiza el pensamiento crítico, tomando prestados los versos de Phil Ochs: en tiempos oscuros, la armonía inesperada es el único gesto verdaderamente subversivo. El escenario es el Palazzo Pisani Moretta , que para la ocasión abandona su rigidez museística para convertirse en un organismo vivo. A lo largo de los tres niveles del Piano Nobile, Van Noten ha comisariado personalmente un recorrido intuitivo por 20 salas donde más de 200 obras dialogan con los estucos y la historia. Una conversación polifónica en la que la artesanía se celebra como un lenguaje universal, capaz de derribar las barreras entre la moda, la joyería, el arte y la experimentación con materiales.

El vestíbulo de la planta baja recibe a los visitantes con la inquietud polvorienta de una escultura de Peter Buggenhout , una advertencia de impermanencia que prepara la mirada para lo que sucederá en los pisos superiores. Aquí, bajo el fresco de la Victoria de la Luz sobre la Oscuridad del Guaraná, se despliega un magistral cortocircuito: las fotografías de Steven Shearer se encuentran con las joyas Memento Mori de Codognato , mientras que la alta costura de Christian Lacroix se enfrenta a las abstracciones escultóricas de Rei Kawakubo para Comme des Garçons.

En este contexto, la moda actúa como nexo narrativo y método de investigación. Junto a los gigantes de la industria, destaca la voz resiliente del palestino Ayham Hassan , cuya materialidad cruda aporta una poética de fuerza necesaria a la laguna. Se trata de un diálogo íntimo entre pasado y futuro: el conocimiento tradicional del vidrio de Murano (desde Ritsue Mishima hasta Wave Murano Glass) se refleja en la irreverencia metálica de Ann Carrington o en los "orfebres-insectos" de Hubert Duprat, que sustituyen el oro por desechos naturales para sus armaduras. Una invitación a mirar más allá de la superficie, a redescubrir el poder transformador de una emoción bien construida.

Existe un hilo conductor que une la exquisita artesanía de la joyería con la preservación del conocimiento: el peso específico del legado. Este es un concepto que la Fundación Bvlgari desvela en Venecia, inaugurando su primer proyecto expositivo oficial en un tesoro de la memoria universal: la Biblioteca Nazionale Marciana . Bajo la dirección de Jean-Christophe Babin , la Maison impulsa un proceso intelectual que involucra a dos voces del arte italiano vinculadas al Premio MAXXI Bvlgari . En el Vestíbulo, Monia Ben Hamouda presenta Fragmentos de Adoración al Fuego : esculturas de neón que evocan cicatrices luminosas. Hija de un calígrafo, la artista deconstruye el alfabeto en un gesto ancestral donde la luz, como el fuego en la metalurgia, es una fuerza ambivalente de creación y destrucción.

El corazón de la exposición se encuentra en el Salone Sansovino, donde Lara Favaretto presenta el acto final de Momentary Monument – ​​La Biblioteca . Una estantería monolítica une libros no por su rareza, sino por su densidad documental, injertando imágenes de sus propios archivos en cada uno. En plena era digital, Favaretto devuelve la fisicalidad al conocimiento, exponiéndolo al riesgo de la circulación. Bvlgari, socio de la Bienal hasta 2030, confirma así una visión cultural arraigada en la investigación estética. Mientras que en Milán el Hotel Bvlgari acogerá la escultura de Ben Hamouda, en Venecia la Maison demuestra que la verdadera joya que merece ser protegida es la capacidad humana de transformar la memoria en un organismo vivo.

Venecia , en medio de la efervescencia de la Bienal de 2026 , se reafirma una vez más como el escenario electivo donde las disciplinas se desvían, se entrelazan y generan nuevos lenguajes. El 7 de mayo, los históricos salones del Palazzo dei Fiori se convertirán en el perímetro de una acción estética radical: el estreno de la nueva obra de Jordan Roth , presentada por Performance Space New York . Productor teatral ganador de siete premios Tony y visionario colaborador de figuras como Pierpaolo Piccioli, Daniel Roseberry e Iris van Herpen, Roth ha transformado su propio cuerpo en una superficie para la experimentación. Lo que él denomina " Performance de Moda Narrativa" encuentra una nueva e intensa expresión en la laguna.

En el corazón de la performance late el alma de un fantasma renacentista: Irene de Spilimbergo , pintora y música del siglo XVI cuya belleza y talento se cristalizaron en la inmortalidad museística tras su temprana muerte. Roth recupera su efigie, la imprime en vinilo e inicia un ritual de deconstrucción y reapropiación. No se trata de una simple puesta en escena: la artista graba, fragmenta y recompone las imágenes de la mujer en una lámina de vidrio enmarcada en oro, aplicando los bordes a su propio cuerpo. El collage deja de ser una técnica bidimensional para convertirse en una acción vivida. Roth no viste la obra, sino que se convierte en ella, fusionando su propia identidad con la de la musa en un proceso de autoconstrucción que afirma la libertad del ser infinito. A medida que la acción avanza bajo la experta dirección de producción de Villa Eugenie , una cámara capturará la transformación en tiempo real, mostrando fragmentos de un archivo del devenir en monitores adyacentes. Jordan Roth demostrará que la verdadera belleza no reside en la imagen estática, sino en el espacio inestable que existe entre ver y ser visto.