Desde las ruinas doradas de Theo Galliakis hasta las utopías marcianas de Jakuć y Sipiora. La historia de un viaje sensorial a través de los pabellones del antiguo Hospital Militar de Baggio y la Villa Pestarini de Franco Albini, donde el talento de Alcova Milano 2026 redefine los límites entre la artesanía de vanguardia y el diseño de colección.

Durante <a href="https://www.lofficielitalia.com/fashion/milano-design-week-tutti-i-progetti-marchi-di-moda-fuorisalone" target="_blank" rel="noopener">la Semana del Diseño de Milán</a> en Alcova 2026 , el diseño abandona la función para convertirse en un diario íntimo y una visión política. En la Stecca di Baggio, Theo Galliakis reinterpreta el mito helénico con sus &quot;Ruinas Doradas&quot;, creadas con metales calcinados transformados en columnas estriadas, una alquimia que cuestiona la gloria del pasado. Justo al lado, el colectivo femenino MA-MA subvierte la idea de permanencia con &quot;La Sala de Espera&quot;, donde tubos cromados y asientos transparentes revelan la estructura del confort. El rigor se convierte en un refugio maternal para Elisa Uberti , quien en Villa Pestarini transforma el baño en una guarida de cerámica ancestral. Luego, con el proyecto BERTO, Alberto Sánchez redescubre la lentitud de la técnica Tiffany para esculturas de luz que son pausas visuales en el caos de la modernidad. Finalmente, el dúo de Ola Jakuć y Mati Sipiora proyecta nuestros sueños en un Marte imaginario, fusionando acero y vidrio en una estética retrofuturista. Cinco proyectos de diseño, una única urgencia: habitar la emoción que trasciende el objeto.

THEO GALLIAKIS

En la obra de Theo Galliakis hay una urgencia casi arqueológica, una necesidad de indagar no tanto en la tierra como en la memoria colectiva de una cultura helenística que sigue proyectando su sombra sobre el presente. Nacido en 1994 en Creta, Galliakis pertenece a esa generación de creadores que han dejado de mirar al pasado con nostalgia, prefiriendo utilizarlo como reactivo químico para el presente. En Alcova Milano 2026 , en la Stecca del antiguo Hospital Militar de Baggio, la nueva serie Golden Ruins destaca en el espacio como una paradoja visual: «La inspiración proviene de mi formación y mis orígenes. La influencia grecorromana es, sin duda, un legado compartido por muchos. Me interesan mucho las cosas que poseen un significado determinado, ya sea espiritual o histórico», explica Galliakis. «En mi práctica creativa, la transformación de los materiales es fundamental. Utilizo el fuego para transformar las superficies y propiedades de los metales: acero inoxidable, acero y cobre». Se trata de una alquimia contemporánea que eleva los materiales industriales a la categoría de simulacros de civilizaciones perdidas.

La colección Golder Ruins se compone de cuatro elementos: una lámpara de pie, una lámpara de escritorio, taburetes y un banco: «Al traducir el lenguaje arquitectónico de la columna estriada, exploro la tensión constante entre lo eterno y lo efímero. Al presentar las ruinas en un oro engañoso y siempre cambiante, la colección ofrece una sutil meditación sobre la imagen de la Grecia e Italia modernas». Cada pieza es única, elaborada a mano en una edición limitada de ocho ejemplares, cada una una pieza irrepetible que lleva las marcas de la imprevisibilidad de la llama. «Con esta colección, quise plantear una pregunta, más que dar una respuesta: ¿puede el esplendor de un pasado glorioso volver a ver la luz del presente?».

Fundado en 2021 por las hermanas Sanam, Laylee y Safura Salek , con una trayectoria que entrelaza las visiones de OMA, BIG y Commune Design, presentan The Waiting Room en Alcova 2026 bajo el nombre de su estudio neoyorquino, MA-MA. El proyecto explora la idea de la sala de espera como una condición física y conceptual: un espacio indefinido, donde el objeto nunca es un punto de llegada, sino un sistema de posibilidades. «Pasamos mucho tiempo en arquitectura pensando en la permanencia. Estas piezas nos han dado permiso para pensar en el potencial», observa Laylee Salek. En esta coreografía de acero cromado, cuero y resina, la severidad industrial se ve atenuada por una narrativa cálida, casi emotiva.

La silla 01 está compuesta por tubos de acero cromado que se entrecruzan y sostienen un asiento transparente que no oculta nada: «Un asiento que revela más de lo que oculta. La mayoría de los muebles se basan en el ocultamiento. A nosotros nos interesa la exhibición». Esta honestidad estructural continúa en el sillón 01 , un híbrido entre un banco y una tumbona que se transforma con un gesto. Safura Salek lo describe con perspicacia antropomórfica: «Nos gustó la idea de una pieza que cambia de postura. Cambia de forma del mismo modo que lo hace un cuerpo». Y luego está la alfombra 01, una alfombra que pierde su naturaleza textil estática para convertirse en una superficie modular, unida por correas de cuero y herrajes metálicos.

ELISA UBERTI

En Villa Pestarini, en Milán, la obra maestra racionalista de Franco Albini , abierta al público por primera vez durante la Semana del Diseño, se confronta esta dualidad. Dentro de este perímetro de líneas precisas y volúmenes definidos, donde la luz no es una invitada sino un componente estructural, la instalación in situ de Elisa Uberti ha transformado el baño, reconfigurándolo con su poética. Uberti no es ajena a las metamorfosis. Su trayectoria en la moda, entre el prêt-à-porter y el ritmo frenético, la llevó a rechazar conscientemente la obsolescencia estacional y a explorar la cerámica. «Era esencial para mí reconectar con una práctica artística más acorde con mis valores», confiesa. Pequeñas esculturas envueltas en materiales comestibles, fruto de una colaboración con el estudio Toutia , invitan al visitante a un descubrimiento táctil. Aquí, el baño abandona su función puramente técnica para convertirse en un lugar de contemplación.

El lenguaje de Uberti se compone de curvas acogedoras, una búsqueda arraigada en lo primordial. «Un capullo protector, el útero materno como primer refugio: esta noción de hogar me inspira a crear un repertorio formal de formas suaves y reconfortantes», explica. Sus obras, nacidas de un contacto sensual con la arcilla, rechazan la producción en masa para abrazar la imperfección: «Trabajo de forma muy instintiva para crear obras emotivas, sensibles y atemporales». La instalación en Villa Pestarini nos ofrece una imagen preciosa: la de un hogar que no es solo una máquina para vivir, sino un paisaje imaginado donde cada gesto manual, incluso el más simple, vuelve a ser sagrado.

<h5 style="text-align: center;"><a href="https://www.lofficielitalia.com/fashion/milano-design-week-tutti-i-progetti-marchi-di-moda-fuorisalone" target="_blank" rel="noopener">Lea también &quot;La moda está presente en la Semana del Diseño de Milán: todos los proyectos de las marcas en el Fuorisalone&quot;</a></h5>

Alberto Sánchez, tras más de una década definiendo los límites de MUT Design entre la industria y la poesía, llega con BERTO a una síntesis que destila madurez y perdurabilidad. Su nueva colección, FACETAS, presentada en la Stecca dell&#39;Ex Ospedale Militare de Baggio, no se limita a ocupar un espacio, sino que lo habita con una precisión que dista mucho de ser una perfección mecánica estéril, sino más bien una celebración del saber hacer. Apropiándose de la técnica Tiffany del siglo XIX, Sánchez utiliza el estaño y el cobre no solo como adhesivo, sino como líneas activas que crean una nueva gramática de la luz. «Para mí, el diseño de colecciones es una búsqueda de permanencia», reflexiona el diseñador. «Me gusta recuperar el valor de lo tangible y el respeto por los procesos lentos. Me atraen los objetos con peso y textura; piezas que conservan las huellas de la artesanía auténtica y que resisten el paso del tiempo». El resultado es un territorio híbrido donde la función es simplemente el pretexto para una contemplación más profunda.

Las piezas de BERTO se mueven con agilidad dentro del contexto del diseño coleccionable, presentándose como pausas visuales en el ruido de fondo de la producción acelerada. «Cada pieza es un diálogo entre la geometría y la nobleza intrínseca del material. Entiendo el diseño no solo como una solución estética, sino como un compromiso físico: crear objetos que contengan su propio proceso, que hagan visible el tiempo requerido para su producción y que establezcan una relación directa con el espacio que habitan. Cada pieza de BERTO está concebida para ser comprendida como una pausa».

OLA JAKUĆ &amp; MATI SIPIORA

También en la Stecca dell&#39;Ospedale Baggio, durante la última edición de Alcova, los diseñadores polacos Ola Jakuć y Mati Sipiora escenificaron un futuro hipotético que se asemeja a un sueño lúcido. El proyecto, sugerentemente titulado &quot;Verano en Marte&quot;, comienza con una pregunta que da forma a su manifiesto: &quot;¿Y si construyéramos un mundo paralelo imaginario, lo suficientemente similar como para reflejar nuestros deseos, pero lo suficientemente distante como para desafiar nuestras ideas preconcebidas?&quot;. Es una pregunta que subvierte la funcionalidad del diseño para llegar a una narrativa metafísica. Sipiora, quien creció en el taller de su padre en Czepino, aporta un rigor industrial que transforma el acero inoxidable en un lenguaje poético y duradero, donde la precisión artesanal se convierte en pura estética. Junto a él, Ola Jakuć, formado en la Academia de Diseño de Eindhoven, actúa como investigador de lo inmaterial. Su habilidad para manipular la luz, el vidrio y el color transforma el metal en un organismo sensorial, capaz de comunicarse con el espacio y la humanidad según una visión postantropocéntrica.

En este Marte imaginario, el diseño no solo sirve para llenar un espacio, sino para redefinir la frontera entre quiénes somos y qué deseamos. Es una reflexión sobre la materia que, a pesar de su dureza industrial, se vuelve frágil en la narrativa de una nueva y posible vida cotidiana interestelar.<blockquote> Summer on Mars explora una visión retrofuturista en la que los objetos emergen de la imaginación, las relaciones y la transformación de la materia. Presenta formas espaciales funcionales pero poéticas, donde la luz, la escultura y la atmósfera difuminan la línea entre lo real y lo imposible, creando un paisaje cálido e inmersivo moldeado por la percepción y el diseño. Ola Jakuć y Mati Sipiora</blockquote>

5 proyectos de diseño descubiertos en Alcova Milano 2026 que desafían la materia

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